O Rei do Graffiti Minimalista Italiano: “CT” No Graffiti & Na Internet.

Primeira vez que ouvi sobre CT foi através de um amigo de faculdade. Exatamente dois dias depois, outro amigo de Roterdam deu o nome dele durante a nossa conversa sobre trainwriters mais ativos e artistas de rua. Tive que admitir que não conhecia ou sabia sobre esse tal CT, mesmo sabendo que vivemos na mesma cidade. Já que lá não é um clube ou um lugar específico para ir e ficar sabendo quem está em cena, tive que passar por um longo processo para ter o seu contato. Um mês mais tarde, finalmente nos conhecemos. Enquanto isso, eu olhei seus trabalhos on-line e alguns vivem dentro de um enorme parque cheio de outras peças de grafite. On-line, algumas pessoas o rotularam como o “rei do minimalismo italiano.” Ele, em pessoa, deixou bem claro que ele não pertence ao mundo graffiti se temos a intenção em sua forma mais pura. Nem é que ele se considera um artista de rua, ao invés de rua, ele prefere assustadoras fábricas abandonadas. O rótulo só que concordamos em adotar quando falar sobre ele é simples, mas significativa, “artista”. Um artista que salva os abutres.

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Qual a sua formação e quando você começou?

Eu comecei com esta abordagem particular de graffiti há cerca de uma década. Na época de ensino médio, tive colegas que estavam fazendo Tags em todos os lugares, mesmo que eu não sabia exatamente o que eles estavam fazendo, eu gostei e comecei a produzir alguns meus. Eu pensei que era uma cultura limitada – nunca imaginei que havia uma história tão importante por trás. Eu comecei em uma maneira muito amadora. [Logo], descobri que havia livros e zines, mas foi no final dos anos 90 e eram difíceis de encontrar e a Internet não estava lá. No entanto, não parei minha paixão pelo grafite, e durante anos, eu fiz toneladas de esboços e nada mais. Naquela época, eu não morava na cidade de Turim, mas a realidade daqui estava longe de ser como a da metrópole. Por exemplo, eu não sabia onde comprar tinta spray! Para mim, meu caderno era o meu trabalho – eu cuidei disso com paixão e precisão para cada desenho.

Quando se mudou para paredes?

Em 2003/2004, comecei a pintar paredes e eu fiz isso com meu amigo Kurz, com quem eu sempre pintei com desde há alguns anos. Nossos foram principalmente baseados no que vimos sobre o fanzine, mas nós também estávamos olhando para descobrir nosso próprio caminho. Sempre me assegurei em não seguir um estilo específico – para mudar o que eu vi e tentar trazer algo novo; que para mim é muito importante e tem liderado o desenvolvimento das coisas. Então nós começamos a fazer a primeira parede ao longo das trilhas do trem aqui em Turim.

Ficamos felizes com o que estávamos fazendo, porque na minha opinião, nossos trabalhos eram bastante diferentes e bastante inovadores, em comparação com [outros] nesse período. Obviamente aqui em Turim. já havia escritores que, com suas paredes pintadas, fizeram história: equipes como o Ots, Tot, KNZ e 108.

“TIVE DE CONSTRUIR MINHAS PRÓPRIAS FERRAMENTAS PARA CONSEGUIR OS RESULTADOS QUE EU QUERIA SER.”

Mas nós éramos de uma geração diferente, jovens que estavam tentando olhar a cena e trazer algo de novo. Continuamos assim por um par de anos, em seguida, fanzines começaram a ser pop ao redor e começamos a usar a Internet – o que nos permitiu ver o que estava acontecendo no resto da cena do graffiti do mundo. Especialmente em 2005, nós começamos a olhar para a cena de Barcelona onde adesivos e cartazes foram espalhados por todo o lado e isso foi o que se tornaria a “arte de rua”. Comecei a ver o nascimento de um híbrido entre a arte de rua e escrita; artistas como El Tono fizeram o seu trabalho em Madrid, em Paris, havia Honet, Stak, L’Atlas e Tanc e em Bordeaux, havia o FOE.

Você e Kurtz estavam inspirados a tentar outras formas de expressão?
Sim, nós absorvemos e trouxemos para nossas obras, todas essas coisas que vimos, se eles pertenciam ao graffiti ou a arte de rua. Então nossos letreiros mudaram bastante e começaram a ter muito mais geometria para caber no adesivo. Na verdade, mudamos de paredes para fazer adesivos e cartazes. Foi algo novo que nunca tinhamos feito, e desde que eu nunca usei o computador, todos os posters eram folhas de papel anexados juntos e depois adaptado para vários pontos da cidade.Então comecei a colocar adesivos na minha cidade, mas não era o único: havia tipos como Pancho Pixel, que estudaram na Academia de arte, comigo e com meu outra colega da academia, DEP, que fez estas pequenas silhuetas de mulheres, etc. Muitos anos se passaram e agora restam poucos. Por esta altura, meus letreiros, após serem modificados para adaptar-se ao formato dos adesivos, trouxeram com eles as alterações que eu apliquei para pintura de parede.

Em 2005, comecei a viajar. Fui para a Espanha para ver o que tinha visto apenas no fanzine ao vivo. E depois, em 2006, fui para Berlim, o lugar que mais me fascinou.

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Como foi a fase/processo de desenvolvimento dos seus letreiros?

Quando voltei para a Itália eu comecei pintando muito mais nas paredes – para dizer a verdade eu não sei porquê. Mas só por acaso, comecei a criar guias/molduras para ser capaz de construir letreiros antes de pintá-los. Nos adesivos, evoluí minhas habilidades para pintura, mas mantendo uma limpeza nos letreiros que dessem uma impressão de que eles tivessem sido impressos. Eu não estava interessado em pintura spray à mão livre.

Acho que é interessante pois tive de construir minhas próprias ferramentas para ser capaz de obter os resultados que eu queria. Quando falo sobre ferramentas, quero referir formas de papel de construção (3mm de espessura) em forma de semicírculos e retângulos que me permitem criar formas rapidamente, mas ao mesmo tempo, permanecendo bastante complexos e precisos. Os molduras são o quarto de um círculo e o quadrado, geralmente combinado por dois ou três. “CT” é baseado em 2/4 de círculos e sete quadrados. Cada trabalho meu é feito com a mesma quantidade de letras de CT: esta é a ligação forte que continua a ser com a cultura escrita (sem a pretensão de ser limitada apenas a painéis).

“NÃO HÁ NADA EM MINHA CASA QUE PROVE O QUE EU FAÇO, [EXCETO] ALGUMAS IMAGENS DE BAIXA QUALIDADE NO MEU COMPUTADOR.”

Meu processo de pintura é assim: eu desenho o contorno da forma com um lápis, então eu coloco a fita em volta deles e faço o preenchimento. Com este método, eu poderia fazer as minhas coisas claramente e simplesmente a partir do ponto de vista da estética sem descuidar a complexidade. De 2008/2009, eu comecei a fazer uma espécie de efeito isométrico, após o qual eu dupliquei as camadas, criando sobreposições. E meu trabalho muito mínimo foi se tornando bastante complexo, especialmente quando eu estava usando de 6 a 7 cores. Foi crucial para eu poder ter uma técnica que era adequada para me fazer trabalhar mais rápido.

Desta forma, tive uma abordagem muito mais pensativa para a parede, eu tinha que ter as medidas da parede antes de pintar e ser capaz de tirar uma foto. Foi interessante para mim, esta fase de construção de minhas ferramentas, porque era uma época quando a escrita era algo já bastante elegante.

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Como foi o seu estilo de vida nesses anos de muitos trabalhos?

Entrei numa espécie de círculo vicioso onde pintei muito. Eu entendi o que era a captura. Em suma, eu percebi como eu poderia trabalhar melhor sobre esses letreiros, então toda semana eu poderia produzir um novo trabalho. Eu estava respirando e trabalhando em meus letreiros todos os dias.

Nos anos de 2008 e 2009, eu fui para a Holanda onde conheci Zedz, Wood, ZIME e Graphic Surgery – um bando de caras que estavam fazendo isso no momento e ainda faziam trabalhos gráficos com uma estética muito particular; muito abstrata e não com base nas letras. Entramos em contacto através do Fotolog – que era o Facebook da arte de rua e graffiti naqueles anos.

Minha viagem para a Holanda mudou e enriqueceu o meu ponto de vista e o que estava envolvido. Enquanto isso na Itália, a mentalidade e o estilo foi se transformando para o que ia ser a cena dos anos seguintes.

Como foi a sua primeira exposição individual?

Aconteceu em 2009 e que foi algo especial, porque não achava que este tipo de trabalho poderia acabar em uma galeria, porque era algo que nunca imaginei quando comecei. A Galeria foi um espaço independente chamado “The Crypt 747” em Turim. Eu conhecia os caras que dirigiam aquele espaço e foram eles que me fizeram expor alguns dos meus trabalhos. Nós trabalhamos juntos e eu queria fazer esta exposição de uma maneira bem particular. Pegamos os suportes de uma casa abandonada, carregamos desmontadas no carro e depois recontruimos dentro da galeria onde os pintei. Os suportes foram partições feitas de madeira e poliestireno e PVC e nós não removemos a poeira ou sujeira. Em suma, estávamos tentando recriar, tanto quanto possível, o efeito de uma fábrica abandonada.

A grande dificuldade em querer trazer para a Galeria, o que é nascido na rua é manter as coisas no mesmo caminho. Desta primeira exposição eu vim para casa com um feedback positivo. O público era composto principalmente por pessoas que estavam fazendo coisas semelhantes à minha e algumas pessoas sensíveis a este tipo de trabalho e estética.

“ESTES VÃOS MUITO CURTOS DE TEMPO ENTRE A CRIAÇÃO E A DIFUSÃO, EM MINHA OPINIÃO, SÃO A RUÍNA DESTA CULTURA”.

Naquele tempo era diferente porque você não tinha essa percepção imediata do que estava acontecendo, então você poderia ser mais focado em seu trabalho e nada mais. Agora, acho que o problema é a extrema velocidade na qual uma pessoa cria e pode colocar o que ele produziu em circulação.

Estes vãos muito curtos de tempo entre a criação e a difusão, em minha opinião, são a ruína desta cultura. Em breve tudo vai acabar em um curto-circuito causado por esta velocidade, e você terá uma extrema homogeneização das obras, porque você não terá tempo para desligar. Era impensável há 10 anos atrás, que enquanto eu estava pintando uma parede eu poderia publicar uma foto no Instagram da ação antes mesmo de terminá-lo. Agora só precisamos fazer uma vídeo-conferência enquanto nós estamos pintando e já teríamos feito tudo.

Por um lado pode ser muito bom porque eu não quero criticar este período de tempo que eu vivo, porque isto é o que eu tenho, mas é a minha escolha pessoal para poder decidir quando é hora de fechar; para ter tempo para focar o trabalho sem ter a pressão de ver tudo de uma vez. Eu não estou dizendo para não mostrá-lo ao mundo. Porque este tipo de trabalho – se você não compartilha por aí na Internet – obviamente não é visto por ninguém.

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Então como é fundamental a Internet para você?

Meu trabalho, “minha personalidade,” está bem vivo na Internet, graças a plataformas como Fotolog, Ekosystem e agora em sites como Grafffuturism, il Gorgo ou Facebook. Não quero criticar a Internet porque me deu a oportunidade de ganhar visibilidade. Mas eu critico a forma como foi usado mesmo quando eu acho que há uma necessidade real. Precisamos de um mínimo de mais autonomia.

Alguns aspectos que eu acho que estão errados, porque você acaba tendo uma geração de obras completamente vazia, apenas pura estética, talvez em um nível mais elevado do que no passado, porque uma pessoa em 6 meses ou menos, tem um bom olho, boa capacidade de comunicação e bom gosto pode se tornar o artista que participa de muitos festivais e galerias. São pessoas que não têm experiência em escrita, graffiti ou arte de rua, mas ainda fazem exposições na maioria das vezes com pessoas que realmente têm este pano de fundo. Acho que é um pouco errado, é como se estivessemos falando de coisas diferentes. Acho que é vital não criarmos um grande caldeirão para lançar todos os designers gráficos que recentemente se formaram pelo IED com aqueles saindo da academia ou com aqueles que só fazem grafite nas ruas. Jogamos tudo neste caldeirão e fora de nós, fazemos pseudo exposições com uma pseudo geométrica/pseudo comediante estético e em seguida, chamamos os artistas ou vanguardas. Não faz sentido! E se alguém me diz que esta é a realidade de hoje, digo que devemos usar mais limites e dar nomes às coisas, caso contrário perderemos a identidade desta cultura e vai haver uma geração de artistas do blog que com certeza vai vender, porque o mercado não tem falta dessas coisas. No entanto, falta um pouco de poesia que surge quando um viveu um ambiente de certas e determinadas situações.

Me diga que tipo de relacionamento que você tem com os amigos, quando você vai para pintar.

Sempre pintei com amigos, eu nunca fui sozinho porque achava meio chato e ao mesmo tempo, isso não é uma ideia inteligente, ir sozinho a lugares abandonados. Desde o início até 2009, pintei com Kurz, que é um bom amigo meu. Inicialmente, fizemos trabalhos juntos como colocar adesivos em torno da cidade, paredes nas proximidades de linha e então decidimos que cada um de nós se voltou para o seu próprio caminho; fazendo obras separadas dentro de uma fábrica, mas iamos lá juntos. Todos aqueles que fazem parte dessa cultura sabem quantos bons sentimentos que você começa quando você vai junto com sua tripulação/amigos para pintar, se você ir em uma fábrica abandonada durante o dia ou para fazer painéis à noite… as anedotas e situações que surgem são fabulosas.

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Como é pintur no exterior e com artistas estrangeiros?

O fato de pertencer a um determinado tipo de ambiente – como acontece na escrita – e para um determinado tipo de grupo, te provoca a  imediatamente fazer amizade com essa pessoa. Embora eu não sei você, mas você faz estas obras como eu, automaticamente somos amigos e temos algo em comum. Cada vez que eu viajei no exterior, fiz amigos que mais tarde viria visitar-me em Turim. No início, para comunicar usavamos o Fotolog ou troca e-mails e em breve a sensação era como se nos conhecêssemos há muito tempo.

Ultrapassámos o obstáculo das barreiras de idioma diferente, depois de 5 minutos nós brincavamos e riamos. E depois de 3 dias com sem inibições, éramos como irmãos de mães diferentes. Com efeito, o fato de que pintei no exterior e ter visto a cena Europeia é por meu estilo evoluiu dessa forma; Nunca foram provincial. Acho que o provincianismo é a pior coisa. Hoje, acho que é difícil ter provinciais graças à Internet. Mas 10 anos atrás, era difícil encontrar pessoas fora de sua cidade com seus mesmos interesses.

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Projetos atuais e futuros?

Agora estou trabalhando muito com ORE e, recentemente, pela primeira vez eu fiz uma grande colaboração em Breda, Holanda, com um artista m]ao tinha background na arte escrita ou de rua. Foi uma experiência interessante e mesmo que a dinâmica eram diferentes; o resultado do nosso trabalho junto foi muito impressionante.

Em novembro, vou fazer parte de uma exposição dentro de uma galeria em Milão, onde trarei minha formação e experiência.

Se eu pudesse escolher o que eu tentaria, novamente, iria trabalhar com alguém que não tem nenhuma influência do graffiti e ver o que sai. Vou fazer mais exposições dentro das galerias, enquanto o que vai para a Galeria não é a versão de cartão postal ou um tamanho reduzido, o que você faz em uma parede, sem acrescentar ou tirar nada.

O estilo é o que se tem e que não deve mudar completamente dentro de uma galeria. Acho que devemos levantar questões e dar respostas sobre o que você pode trazer para as galerias enquanto permanecer conectado com seu tempo.

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Graffuturism

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